Rubén Mendonza, 28, es el realizador colombiano que acaba de ser invitado con su proyecto de largometraje a la sección L´Atelier del Festival de Cannes, que sucede en mayo. El nombre de la película, todavía en el papel, es La sociedad del semáforo. Joven, libre y autor de varios cortos bastante premiados, Rubén trabaja también en publicidad y forma parte de un colectivo de profesionales creativos, conectados al audiovisual, cuyo QG es la productora bogotana Rhayuela.

Lee abajo la entrevista exclusiva de Rubén a La Latina:

¿Qué te parece la formación para cineastas en Colombia? ¿Cómo se forma la gente en el país?

A mi me parece que el cine es la casa de los sin-casa. La vocación de todos los que no tenemos vocación. De los que tenemos el síntoma de la eterna curiosidad. El cine a la larga es cualquier tema, cualquier gente, cualquier persona. Así que la escuela puede jugar un papel importante pero no fundamental. En el caso de la Universidad Nacional,  donde he estudiado, agradezco todas las Historias del Arte, Historias del Cine, Dramaturgia, Literatura. Yo creo por convicción, como lo cree la Escuela de la Nacional por escasez, que el cine es otra cosa. No sólo los lentes. Querer ver, saber ver lo que se quiere ver. En cuanto a la formación de cine creo que viene desde que a uno le gusta ver. Desde que la curiosidad de cualquier personaje, persona o cosa, le da a uno infinitas ganas de registrar algo, de cualquier manera.

¿Cuáles son tus principales trabajos como realizador de cine? ¿Hay algún que te parezca más importante?

Todos me gustan. No se si son buenos o importantes. A mí lo que me gusta es crear. Escribir, preparar, filmar, armar. Son verbos preciosos. Promocionar y vender, no los llevo tan bien. Creo que son muy importantes aspectos, pero a mi me parece que contaminan demasiado el lenguaje cinematográfico. Pero así es. Por eso es bueno trabajar en equipo, para repartirse responsabilidades. Supongo que mi trabajo más importante es La cerca, por las puertas que abrió, por haber sido selección oficial en Cannes y veinte tantos festivales. Pero, para mí, cada trabajo va siendo el más importante. No el mejor, la verdad esas categorías en el arte no tienen mucho sentido. Pero cada vez me alegra más encontrar gente nueva, evitar actores, evitar grandes estructuras de producción, esas cosas. Entre más se afina ese engranaje, más importante me parece un trabajo.

Trabajaste con otros cineastas colombianos, como el veterano Luis Ospina. ¿Cómo fue esa experiencia?

Luis Ospina ha sido una de las figuras más determinantes de mi vida. He pasado dos años en su casa, editando dos películas suyas. Dos laberintos, auténticos postgrados de montaje y cinematografía. Me deja opinar, pensar, debatir, pero básicamente me gusta seguir sus órdenes. Es un gran realizador, un gran cerebro, una gran persona, un gran terco. Han sido documentales que suman 1500 horas de edición y algunas de esas horas están dentro de las más interesantes y felices de mi vida. Luis Ospina, en cambio, es fundamental en lo que he decidido que el cine sea para mí. Mucho más que la universidad.

¿Cómo ves la actual fase del cine colombiano, impulsada por la creación de la Ley de Cine?

Pues bien. Pero no más que eso. El cine en Colombia va por olas. Esta es otra nueva. Pero, más que un mar, el cine colombiano es un naufragio. Por eso siempre se llama "Nuevo cine colombiano". Eso es muy sospechoso. La Nueva Ola fue nueva un tiempo, el Neoexpresionismo alemán fue una etapa, el Neorrealismo también. Luego los cines de cada país se llaman de otra manera. El cine colombiano siempre se llama "nuevo", eso es muy sospechoso. Pero es liberador con la obra cinematográfica en general. Sabiendo que uno la está haciendo por que exista, no porque vaya a pasar algo con ella.

¿Que andas haciendo en paralelo a tus proyectos personales?

Viviendo. Cada vez me interesa más la vida que el cine.

Cuéntame sobre el proyecto de largo seleccionado en Cannes!

Es la historia de un desplazado obsesionado con alterar la duración del semáforo en rojo, el tiempo que quiera. Para montar actos más grandes con artistas, malabaristas, mendigos y enfermos que se ganan la vida en el semáforo. Estos actos empiezan en lo circense y acaban en la anarquía total, en una gran fiesta anárquica. Tiene más de 10 premios internacionales y aún no se ha filmado. Eso también es sospechoso.

Por Camila Moraes

Terminó el pasado domingo, 24.02, la 11ª edición delFestival Internacional de Cine de Punta del Este, reabierto en 1998 y, desde entonces, un importante evento para el cine latino. El vencedor es la cinta brasileña Estómago, de Marcos Jorge, y la victoria viene para fortalecer la buena onda de premios (y, en paralelo, de taquilla) del cine hecho en Brasil.

Estómago, una co-producción Brasil-Italia, es protagonizado por João Miguel (Cinema, aspirinas e urubus y O céu de Suely), que también fue galardonado como mejor actor, y crea una interesante relación entre la comida y el poder, con puntos altos para los diálogos. La película también fue exhibida en una sección especial – gastronómica – del reciente Festival de Berlín.

“Para mí, es muy importante ver que al público iberoamericano le gusta Estómago, y estoy muy feliz que el jurado haya comprendido y amado esta película”, dijo Marcos Jorge a la Agencia EFE después del festival uruguayo. El largo, que estrena en abril en las pantallas brasileñas, es el estreno de Marcos como director de ficción; antes, él ha trabajado con publicidad y con documentales.

Punto(s) para Brasil

Sin hablar de la poco esperada victoria de Tropa de elite en Berlín – y de sus estrenos internacionales, ya anunciados en España y en los Estados Unidos –, Brasil tiene algunos motivos para conmemorar el buen momento que vive su cine en términos de premios y hasta de taquilla.

Solamente mirando por en cima, Estómago fue premiada en Río de Janeiro, en 2007, en Punta del Este y en Rótterdam, en Holanda, donde irá estrenarse comercialmente. Meu nome não é Johnny, de Mauro Lima, todavía en los de Brasil, ya contabiliza un público de 1,7 millones de espectadores en solamente dos meses en pantalla.

Sin embargo, por lo que parece, la coronación de la buena onda vendrá realmente en mayo, en Cannes, donde se cree que son muchas las posibilidades del Brasil entrar (con más de un representante) en la competencia oficial. ¿Será 2008 un año importante para el cine brasileño?

Por Camila Moraes

Terminou no último domingo, 24.02, o 11º Festival Internacional de Cine de Punta del Este, resgatado em 1998 e, desde então, um importante evento para o cinema latino. O vencedor foi o brasileiro Estômago, de Marcos Jorge, e a vitória vem para fortalecer a boa onda de premiações (e, paralelamente, de bilheteria) do cinema do Brasil.

Estômago, uma co-produção Brasil-Itália, é protagonizado por João Miguel (Cinema, aspirinas e urubus e O céu de Suely), que também foi premiado como melhor ator, e faz uma interessante relação entre comida e poder, com pontos altos para os diálogos. O filme também foi exibido em uma seção especial – gastronômica – do recente Festival de Berlim.

“Para mim é muito importante ver que o público ibero-americano gosta de Estômago, e estou muito feliz que o júri tenha compreendido e amado este filme”, disse Marcos Jorge à Agência EFE após o festival uruguaio. O longa, que estréia em abril no Brasil, é a estréia de Marcos como diretor de ficção; antes, ele trabalhou em publicidade e documentários.

Ponto(s) pro Brasil

Sem falar da vitória pouco esperada de Tropa de elite em Berlim – e de suas estréias internacionais, já anunciadas na Espanha e nos Estados Unidos –, o Brasil tem alguns motivos para comemorar o bom momento que vive seu cinema em termos de prêmios e até de bilheteria.

Falando somente por cima, Estômago foi premiado no Rio de Janeiro, em 2007, em Punta del Este e em Rotterdam, na Holanda, onde irá estrear comercialmente. Meu nome não é Johnny, de Mauro Lima, ainda em cartaz nas salas brasileiras, já contabiliza um público de 1,7 milhões de espectadores em apenas dois meses em cartaz.

Mas parece que a coroação da boa fase virá mesmo em maio, em Cannes, onde acredita-se que são muito altas as chances do Brasil entrar (com mais de um representante) na competição oficial. Será 2008 um ano importante para o cinema brasileiro?

Por Camila Moraes

Duas notícias de festivais. Confira:

:: Primeiras notícias (latinas) de Cannes
Muitas novidades do cinema mundial agitam, como sempre, o Festival de Cannes, que acontece anualmente em maio. Em 2008, uma das boas notícias para o cinema latino dentro do evento é a seleção do longa-metragem colombiano La sociedad del semáforo, de Rubén Mendonza, na seção L’Atelier, criada em 2005 como parte da Cinéfondation do festival. Trata-se de uma organização com o objetivo de apoiar projetos em desenvolvimento ao redor do mundo, promovendo encontros diretos com produtores interessados em financiar idéias semi-prontas.

O filme é o primeiro longa de Mendonza, que já tem vários (bastante premiados) curtas no currículo – um deles, La cerca, fez parte da seleção oficial da Cinéfondation em 2005.

La sociedad del semáforo é a história de Raúl Tréllez, um homem humilde, proveniente do estado do Chocó, na Colômbia, com incipientes conhecimentos de engenharia elétrica. Em Bogotá, onde trabalha como reciclador, está empenhado na idéia de criar um mecanismo que faz o semáforo durar mais tempo no vermelho, para que malabaristas e crianças que ganham a vida aí possam fazer apresentações mais longas e ganhar mais dinheiro. O projeto é da Dia Fragma Fábrica de Películas; e Cannes acontece de 14 a 25.05. Em breve, mais sobre Rubén Mendonza na Latina.

:: E passou o Oscar...
Em festa pouco badalada, de resultados previsíveis (apesar de respeitáveis) e com a pior audiência dos últimos anos, a Academia do Oscar consagrou os atores europeus Javier Bardem (Onde os fracos não têm vez) e Marion Cotillard (A vida em rosa) e a multipremiada produção dos irmãos Coen, Onde os fracos não têm vez. Os latinos, representados tão somente pelo curta-metragem documental La corona, de Isabel Veja e Amanda Micheli, que é uma co-produção Colômbia-Estados Unidos, ficaram de fora dos prêmios deste ano. Para conferir os resultados completos, visite o site oficial da premiação. 

Todos os anos, milhares de haitianos assolados pela miséria e a falta de perspectivas em seu país atravessam a fronteira entre Haiti e República Dominicana para servir como mão-de-obra barata nos grandes latifúndios de açúcar dominicanos. Essa massa de gente sem direitos e explorada pelo país vizinho é o principal argumento do documentário The price of sugar, lançado em novembro de 2007 resistindo à forte pressão do poderio açucareiro dominicano.

No filme, o missionário espanhol Christopher Hartley é porta-voz dos haitianos confinados em bateyes, alojamentos bastante semelhantes às senzalas dos antigos engenhos brasileiros, e denuncia os maus-tratos sofridos por essa gente que chega às fazendas amontoada em caminhões e que tem seus filhos também trabalhando no corte da cana. Em sua maioria, os haitianos vivem ilegalmente na República Dominicana e, segundo os funcionários do Departamento de Assuntos Econômicos do país, "não há nada o que se possa fazer". 

São exemplos chocantes os deflagrados pelo longa, que revela a escravidão moderna e exalta a luta popular pelos direitos dos trabalhadores haitianos e de seus filhos apátridas. Esses indivíduos não têm cidadania dominicana reconhecida pelo governo local e, portanto, não podem estudar e nem têm assistência médica gratuita. Nos últimos anos, vêm morrendo de inanição, apesar de seu trabalho sustentar verdadeiros impérios de famílias poderosíssimas como os Vicini, também grandes anunciantes da imprensa local (que, por sinal, abafou o lançamento do documentário).

A narração é do ator Paul Newman, e a direção de Bill Haney, documentarista dos Estados Unidos que lança seu olhar sobre a América Latina pela primeira vez. Apesar de não ter previsão para chegar ao Brasil, The price of sugar já conquistou alguns prêmios de peso, como o de melhor documentário pelo Internationational Black DocuFest na categoria Best Human Rights Watch, além de integrar a seleção oficial do Festival de Seattle, ter recebido menção honrosa no SilverDocs FilmFestival, entre outros.

Por Paula Skromov

Uma menção importante sobre a vitória brasileira ficou de fora da notícia anterior sobre o recém-terminado Festival de Berlim: Daniel Ribeiro, autor do curta Café com leite, foi o vencedor do prêmio Geração 14 Plus, cujo público (e júri) é formado exclusivamente por adolescentes.

O filme – que, segundo o release do festival, “cria um tipo diferente de patchwork familiar, com seus três personagens que, apesar de estarem bastante perdidos, não perdem o calor humano” – esteve antes na Mostra de Tiradentes e vai participar também, de 29.02 a 07.03, do 48º Festival de Cartagena, no 16º Concurso Iberoamericano de Cortometrajes. Outros 27 curtas foram selecionados para a mostra, incluindo os brasileiros A peste de Janice, de Rafael Figueiredo, Rummikub, de Jorge Furtado, Trópico das cabras, de Fernando Coimbra, e Um ridículo em Amsterdam, de Diego Gozze.

Saiba mais sobre Café com leite no site oficial do filme. 

E quanto à Tropa de elite, o grande vencedor do Urso de Ouro vai virar seriado na Globo em 2009. Segundo a Ilustrada da Folha de São Paulo, “há duas possibilidades para o seriado: retomar a história do ponto em que o filme termina ou explorar episódios com o mesmo universo e personagens do longa. Na primeira hipótese, André Ramiro (o André Matias do filme) seria o protagonista”.

E mais: “já a exibição do filme na TV poderá acabar na Justiça. A Record diz que os direitos são dela, uma vez que tem exclusividade com a distribuidora Universal. Mas os produtores dizem que a exclusividade não abrange filmes nacionais”.

Foto: Daniel Ribeiro (com o Urso de Cristal) e amigos em Berlim. Imagem do blog curtacafecomleite.blogspot.com.

La salida estratégica de la cinta brasileña Tropa de elite de la lista de concurrentes de Sundance-2008 para competir más bien en otra parte parece haber conseguido buenos resultados. Diez años después de la victoria de Estación Central (del brasileño Walter Salles) en el Festival de Berlín, la película se ganó el Oso de Oro de este año, venciendo a otros 20 candidatos y, digamos, contra (casi) toda la expectativa de la crítica especializada – brasileña e internacional, de acuerdo con la mayoría de los artículos publicados sobre el largometraje.

No deja de ser una victoria importante para el cine latino (y para la misma película, que ya contabiliza 2,4 millones de espectadores en Brasil – y ahora deberá viajar bastante), que hace algunos años viene llamando la atención de Berlín. Y en 2008, considerando que los asistentes latinos eran bien pocos, fueron muchos los premios para la “categoría”. Lake Tahoe, la segunda película del mexicano Fernando Eimbcke (la primera fue Temporada de patos), también salió victoriosa: recibió el premio Alfred Bauer, para producciones que innovan el lenguaje cinematográfico. Ya otra brasileña, Mutum, de Sandra Kogut, fue exhibida en la muestra paralela GenerationK y recibió mención especial del jurado.

Junto con Tropa – que ha superado a los favoritos Petróleo sangriento (que compite por ocho Oscars) y Happy-Go-Lucky –, el jurado presidido por el cineasta griego Constantin Costa-Gravas ha galardonado las siguientes películas:

Gran Premio del Jurado (Oso de Plata)
"Standard Operating Procedure"
de Errol Morris (EEUU)

Mejor Director (Oso de Plata)
Paul Thomas Anderson
por "Petróleo Sangriento" (EEUU)

Mejor Actriz (Oso de Plata)
Sally Hawkins
por "Happy-Go-Lucky" (Inglaterra)

Mejor Actor (Oso de Plata)
Reza Najie
por "Avaze Gonjeshk-ha" (Irán)

Contribución Artística Extraordinaria (Oso de Plata)
Jonny Greenwood
por la banda sonora de "Petróleo sangriento" (EEUU)

Mejor Guión (Oso de Plata)
Wang Xiaoshuai ("Zuo You"/China)

Por Camila Moraes

A saída estratégica de Tropa de elite da lista de concorrentes de Sundance-2008 para competir em outro lado parece ter colhido seus frutos. Dez anos depois da vitória de Central do Brasil no Festival de Berlim, o filme arrematou o Urso de Ouro deste ano, desbancando 20 candidatos de vários lugares do mundo e, digamos, contra (quase) toda a expectativa da crítica – brasileira e internacional, de acordo com a maioria dos artigos publicados sobre o longa.

Não deixa de ser uma vitória importante para o cinema latino (e para o próprio filme, sem dúvida, que já contabilizou 2,4 milhões de espectadores no Brasil – e agora deverá viajar bastante), que há alguns anos vem chamando a atenção de Berlim. E em 2008, considerando que os concorrentes latinos eram bem poucos, foram muitos os prêmios para a “categoria”. Lake Tahoe, o segundo filme do mexicano Fernando Eimbcke (o primeiro foi Temporada de patos), também saiu vitorioso: recebeu o prêmio Alfred Bauer, para produções que inovam a linguagem cinematográfica. Já outro brasileiro, Mutum, de Sandra Kogut, foi exibido na mostra paralela GenerationK e recebeu menção especial do júri.

Junto com Tropa – que superou os favoritos Sangue negro (que concorre a oito Oscars) e Happy-Go-Lucky –, o júri presidido pelo cineasta grego Constantin Costa-Gravas premiou os seguintes filmes:

Grande Prêmio do Júri (Urso de Prata)
"Standard Operating Procedure"
de Errol Morris (EUA)

Melhor Diretor (Urso de Prata)
Paul Thomas Anderson
por "Sangue Negro" (EUA)

Melhor Atriz (Urso de Prata)
Sally Hawkins
por "Happy-Go-Lucky" (Inglaterra)

Melhor Ator (Urso de Prata)
Reza Najie
por "Avaze Gonjeshk-ha" (Irã)

Contribuição Artística Extraordinária (Urso de Prata)
Jonny Greenwood
pela trilha sonora de "Sangue Negro" (EUA)

Melhor Roteiro (Urso de Prata)
Wang Xiaoshuai ("Zuo You"/China)

Por Camila Moraes

Essa é para os aspirantes a realizadores que curtem a deliciosa trilogia made in Argentina sobre assuntos de pais e filhos formada por Esperando o messias, O abrazo partido e Direito de família.

Um dos talentos responsáveis pela onda do novo cinema argentino no início dos anos 2000, Daniel Burman estará presente em dois seminários sobre realização cinematográfica. O primeiro, que é mais um bate-papo sobre sua carreira, será em São Paulo, na Academia Internacional de Cinema (AIC), dia 22.02, às 19h30.

Já o segundo acontece em Buenos Aires, promovido pela revista Haciendo Cine, em formato intensivo de oficina de criação durante os dias 01 e 02.03. As dois jornadas – o primeiro “curso” que Burman se arrisca a dar – se intitulam “Casi como un trabajo: reflexiones sobre el oficio cinematográfico” e vão tratar dos processos (e dificuldades) de realização de um filme. El nido vacío, último filme do diretor, ainda não estreado comercialmente, será usado como exemplo.

Daniel Burman, portanto, em dose dupla. Em ambos os casos, as vagas são limitadas, e o espaço deve acabar rapidinho.

Foto: Daniel Burman (à direita), ao lado do ator Daniel Hendler, o protagonista de sua trilogia.

A tradicional praia dos vips no Uruguai deixa as celebridades de lado e abriga, de 17 a 24.02, o XI Festival Internacional de Cine de Punta del Este, com 17 filmes em competição de dez países, com destaque para bons títulos ibero-americanos.

Da competição oficial, participam Alemanha, Argentina, Brasil, Chile, China, Cuba, Espanha, França, México e Venezuela, enquanto, nas mostras paralelas, haverá exibições de documentários, curtas e de outros quase 100 longas-metragens.

O destaques da programação vão para Encarnación, da argentina Anahi Berneri, premiado no último festival de Toronto, La León, do argentino Santiago Otheguy, La zona, do mexicano Rodrigo Plá, Postales de Leningrado, da venezuelana Mariana Rondón e os filmes brasileiros Estômago, de Marcos Jorge, Mutum, de Sandra Kogut, e Cachorro sem dono, de Beto Brant.

Entre títulos já consagrados em outros eventos, o festival de Punta del Este conta com a exibição do vencedor de Cannes-2007: Quatro meses, três semanas e dois dias, do romeno Cristian Mungiu. Da Espanha, participa La soledad, de Jaime Rosales, que levou este ano os prêmios Goya de melhor filme, melhor diretor e melhor ator, além de Fados, de Carlos Saura, En la ciudad de Sylvia, de José Luis Guerín, e Mataharis, de Iciar Bollaín.

Representando o Uruguai, estréia o filme Hit, das diretoras Adriana Loeff e Claudia Abend, que presta uma homenagem às canções mais recordadas do país.

O Festival Internacional de Cine de Punta del Este foi inaugurado em 1951 e tem em sua história grandes exibições, mas passou algumas décadas no esquecimento, até ser resgatado em 1998. Hoje é considerado um evento sólido, com presença de bons filmes e de convidados especiais.

Informações de contato estão no site oficial – www.cinepunta.com.uy – que, no entanto, parece estar desatualizado.

Perro come perro, obra-prima do diretor colombiano Carlos Moreno, é um dos filmes "made in Colombia" que vêm abrindo portas no mercado internacional. O longa, que aborda temas como magia negra, narcotráfico e vingança em uma história passada em Cali, fez parte da seleção de Sundance, agora em janeiro, na categoria World Dramatic Competition. 

Apesar de não ter levado o prêmio, Perro... foi bastante comentado no evento, terminando por conquistar a empresa francesa Celluloid Dreams, que acaba de  anunciar a compra dos direitos de distribuição internacional do filme – anunciando-a em seu site como “Cães de aluguel encontra Nove rainhas”. 

Apesar de não se estender à América Latina, o contrato inclui exibições no México e no Brasil. Platéia brasileira, fique de olho, que vale a pena conferir.

Por hora, confira o trailer abaixo:

Pasados cuatro años del lanzamiento de la ley nacional de cine en Colombia, una cosa está clara: los colombianos (en su mayoría) quieren proyectos comerciales, de buenas historias (de preferencia, universales) y taquilla rentable – para dentro y fuera del país. Pues, poco a poco, lo que se en la oferta de películas nacionales – una cifra de 14 estrenos en 2007 – son proyectos independientes, pero de estilo comercial, que se distancian de los temas colombianos por excelencia (según la mirada de afuera): guerrilla y drogas. Paraíso Travel, de Simón Brand, director colombiano que viven Estados Unidos, es hasta ahora el mejor ejemplo de película redonda, bien contada y que quiere romper fronteras. Lea más sobre este proyecto - que será estrenado a nivel mundial en el Festival Tribeca de Nueva York, en abril - y su realizador, en sus proprias palabras, en entrevista exclusiva a La Latina.

¿Empezaste trabajando en publicidad, cierto? ¿Cómo se produjo el cambio al cine?
Era un paso lógico. Siempre quise hacer cine. Mi pasión por la música me llevó a los videos musicales. Luego, con los comerciales, adquirí el conocimiento técnico y experiencia en el set. Lo único que hacía falta era la trabajar con actores, no con modelos o cantantes, comprender que lo más importante al hacer una película es la historia y las decisiones a la hora de escoger casting. La parte narrativa y visual la tenía marcada casi que por instinto. De hecho, creo que es el mismo instinto la mejor herramienta para un director, siempre.

¿También trabajaste con música?
Trabajé muchos años dirigiendo videos musicales, pero nunca fui músico. Es más: soy músico frustrado. Me hubiera encantado aprender a tocar un instrumento. Trabajé en radio unos dos años, ¡ahí entrene el oído!

Eres colombiano, pero vives en Estados Unidos. ¿Cómo ves la distancia entre Latinoamérica y los Estados Unidos hoy en términos culturales? 
Las distancias cada vez se acortan más, gracias a la Internet y las ventanas de comunicación que existen hoy en día. Pero definitivamente sigue existiendo un shock cultural tremendo para quien viaja de Latinoamérica a Estados Unidos. Pienso que como director es una ventaja tener ese “biculturalismo”. La perspectiva hacia lo político, lo  social y cultural es mas cercana. Es mas factible que un director latinoamericano haya sido afectado directa o indirectamente con la problemática social de su país que un norte-americano. Y esto seguramente se vera reflejado en sus películas o por lo menos en su manera de abordarlas. Por eso, las películas de directores como Iñárritu y Meirelles se sienten tan autenticas. Es la realidad de nuestros países y tarde o temprano nos toca a todos.

¿En tu opinión, cuáles trabajos fueron más importantes para tu carrera? 
Como lo dije antes, los comerciales y los videos musicales me dieron la experiencia y la confianza para estar en un set y conocer los detalles técnicos. Fue una etapa vital en mi carrera. No puedo decir que fue el reemplazo a la escuela de cine pero si me dejó experimentar y probar a cuentas de alguien más. El cine es otro reto, son mundos completamente diferentes, y este último tiene una gran satisfacción y es que cuando haces una película, ella  se queda para siempre.

¿Cómo fue la repercusión de tu primera película, Mentes en blanco?
Fue una gran oportunidad y no la desaproveché. A pesar de no recibir un lanzamiento apropiado en Estados Unidos, en Europa, Oceanía, Asia y muchos otros lugares la película fue un éxito comercial y con la crítica. Costó 3,7 millones [de dólares] y ya tiene recogidos más de 18 millones en todo el mundo, sin contar home video. Sin embargo creo que lo más importante fue que aprendí y aplique todas esas lecciones en Paraíso Travel. Igualmente aplicaré todo lo que aprendí en Paraíso en la próxima película. De eso se trata: un buen director debe siempre absorber y aplicar. Trabajé con grandes de la actuación como Caviezel, Kinnear, Stormare etc. Y para ser mi primer largo, fue todo un privilegio que hayan confiado en mi en todo momento.

En el material de prensa, se menciona que, para tu segundo largo metraje, preferiste “atender a la demanda internacional por películas hispanas en Estados Unidos”. Mucha gente cree que el cine no hablado en inglés no tiene muchas oportunidades en los EUA hoy. ¿Crees que eso no es verdad?
Definitivamente es mucho más difícil que le abran las puertas a una película “extranjera” en Estados Unidos. En Hollywood lo único que interesa es que “nombres” (actores reconocidos) estén ligados al proyecto y si el guión es lo suficientemente comercial. Con Paraíso el caso es diferente, porque se trata de una historia con la que se pueden identificar millones de inmigrantes que vienen a los EUA ilegales a buscar su sueño americano. Pero no lo hace a manera de cátedra o demostrando el problema migratorio por el lado patético. Todo lo contrario: muestra al latino emprendedor, trabajador y honrado que se vino por una sola razón. Amor.

¿Qué te llamó la atención de la historia contada por Jorge Franco en su libro Paraíso Travel?
Me encanta como escribe Jorge Franco, y además de ser un extraordinario escritor es una gran persona. Me identifiqué mucho con Marlon, su personaje principal. A todo hombre le llega un momento en la vida en que tiene que tomar ciertas decisiones que definen no sólo su personalidad sino también el resto de su vida. Además es una historia basada en Colombia, pero no tiene nada que ver con la violencia, drogas, guerrilla etc. Es una historia de amor bajo el contexto de la inmigración ilegal. Dos temas profundamente universales.

¿Cómo fue el proceso de producción de la película? 
Fue difícil, tuve que hacer primero a las ciegas para poder obtener credibilidad y financiación para Paraiso. El gran reto fue el casting: encontrar a los dos personajes principales fue una enorme aventura. Hice casting a más de 400 actores para encontrarlos, pero conté con la gran bendición de Aldemar y Angelica. En el rodaje, las cosas también fueron complicadas, casi todos los interiores de NY fueron rodados en Colombia y me empeñé en mantener todo legítimo y auténtico, por eso la dirección de arte se hizo con mucho cuidado. La post-producción siempre es un proceso que me encanta. Sobre todo la parte de la música, fue muy divertido escoger los temas del soundtrack, trabajar con Sigur Rós y con Angelo Milli de nuevo fue un honor. Lo más difícil es recortar escenas que trabajaste tan duro y que luego por tiempo las debemos sacar de la edición final.

¿Cómo ves la situación del cine colombiano hoy? 
El cine colombiano pasa por un gran momento. Hay películas que van a gustar y otras que no, pero lo importante es que se haga y se convierta en negocio. Y así lo viene demuestrando la taquilla. Cada vez que sale una película colombiana hay gran expectativa y una sensación de orgullo sobre todo si llena las expectativas del espectador. Es el primer gobierno en Colombia que realmente se preocupa por la cultura, gracias a la ley de cine. Y como director de cine colombiano les estaré eternamente agradecido. Creo que en este momento existen más de 60 proyectos en diferentes etapas de producción, una cifra impensable 10 años atrás. Es una inyección a la industria del entretenimiento y compañías como RCN han creído y apoyado absolutamente todos los proyectos que se gestan en Colombia.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?
En este momento acabo de tener un hijo, mi mayor proyecto. Me dedicaré a él y a mi familia y obviamente a leer muchas historias y encontrar cual decido hacer. Si le voy a meter más de un año de trabajo a algún proyecto, es necesario que le tenga mucho amor y pasión. De otra forma no vale la pena.

¿Tienes un mensaje a los directores de Latinoamérica que están recién empezando? 
Sí. Que no crean en nadie sino en ellos mismos, en su instinto. Que procuren controlar creativamente su proyecto en todo aspecto y que aprovechen los miles de recursos que existen hoy en día para poder hacer cine independiente.

Por Camila Moraes.

Lea más sobre Simon Brand en su sitio oficial y vea el trailer de Paraíso Travel abajo:

Passados quatro anos do lançamento da lei nacional de cinema na Colômbia, uma coisa está clara: os colombianos (em sua maioria) querem projetos comerciais, de boas histórias (de preferência, em tom universal) e bilheteria rentável – para dentro e para fora do país. Pois pouco a pouco, o que se vê na oferta de filmes nacionais – uma cifra de 14 estréias em 2007 – são projetos independentes, mas de pegada comercial, que se distanciam dos tradicionais temas colombianos (segundo olhares estrangeiros): guerrilha e drogas. Paraíso Travel, de Simon Brand, diretor colombiano que vive nos Estados Unidos, é até agora o melhor exemplo local de filme redondo, bem contado e que romper as fronteiras. Saiba mais sobre este projeto - que estréia em nível internacional no Festival Tribeca de Nova York, em abril - e sobre seu realizador, nas palavras do próprio, em entrevista exclusiva à Latina.

Você começou em publicidade, certo? Como terminou entrando para o cinema?
Era um passo lógico. Sempre quis fazer cinema. Minha paixão pela música me levou ao videoclipe. Logo, com os comerciais, acabei adquirindo o conhecimento técnico e a experiência em set. A única coisa que fazia falta era trabalhar com atores, não com modelos ou cantores, compreender que o mais importante ao se fazer um filme é a história e as decisões na hora de escolher o casting. A parte narrativa e visual eu já tinha quase que por instinto. De fato, acredito que o mesmo instinto é a melhor ferramenta para um diretor, sempre.

Você trabalhou com música?
Trabalhei muitos anos dirigindo videoclipes, mas nunca fui músico. Tem mais: sou um músico frustrado. Eu adoraria ter aprendido a tocar um instrumento. Trabalhei em rádio uns dois anos. Aí foi onde treinei o ouvido!

Você é colombiano, mas vive nos Estados Unidos. Como vê a distância entre a América Latina e os Estados Unidos hoje em termos culturais?
As distâncias estão cada vez mais curtas, graças à Internet e às janelas de comunicação que existem hoje em dia. Mas, definitivamente, ainda existe um tremendo choque cultural quando um latino-americano viaja aos Estados Unidos. Acho que, como diretor, é uma vantagem ter esse “biculturalismo”. A perspectiva política, social e cultural é algo que carrego mais de perto. É mais factível que um diretor latino-americano tenha sido afetado direta ou indiretamente pela problemática social de seu país, que um norte-americano. E isso se reflete em seus filmes ou pelo menos na maneira em que os aborda. Por isso, os filmes de diretores como Iñárritu e Meirelles se sentem tão autênticas. É a realidade dos nossos países e, cedo ou tarde, toca a todos nós interpretá-la.

Em sua opinião, que trabalhos foram mais importantes para a sua carreira?
Como disse antes, os comerciais e os videoclipes me deram muita experiência e confiança para estar em um set e conhecer os detalhes técnicos. Foi uma etapa vital na minha carreira. Não posso dizer que foi uma substituição da escola de cinema, mas, sim, me permitiu experimentar e à custa de outra pessoa. O cinema é outro objetivo, são mundos completamente diferentes, e este último tem uma grande vantagem, que é: quando você faz um filme, ele fica pra sempre.

Como foi a repercussão de seu primeiro filme, Mentes em branco?
Foi uma grande oportunidade, e eu não deixei de aproveitar. Apesar de não ter tido um lançamento apropriado nos Estados Unidos, em muitos outros lugares, incluindo Europa, Oceania e Ásia, o filme foi um sucesso comercial e de crítica. Custou 3,7 milhões [de dólares] e já juntou mais de 18 milhões em todo o mundo, sem contar home video. No entanto, acredito que o mais importante foi o que eu aprendi e apliquei em Paraíso Travel. Da mesma maneira, aplicarei tudo o que aprendi em Paraíso no próximo projeto. Disso se trata: um bom diretor deve sempre absorver e aplicar. Trabalhei com grandes profissionais de atuação como Caviezel, Kinnear, Stormare etc. E por ser meu primeiro longa, foi um grande privilégio que tenham confiado em mim a todo o momento.

No material para a imprensa se menciona que, para seu segundo longa, você preferiu “atender à demanda internacional por fazer filmes de fala hispânica nos Estados Unidos”. Muita gente acredita que o cinema não falado em inglês não têm muitas oportunidades nos EUA hoje. Você discorda?
Definitivamente é muito mais difícil que abram as portas para um filme “estrangeiro” nos Estados Unidos. Em Hollywood, a única coisa que interessa é que os “nomes” (atores reconhecidos) estejam ligados ao projeto e que o roteiro seja suficientemente comercial. Com Paraíso, o caso é diferente, porque se trata de uma história com que podem identificar-se milhões de imigrantes que vêm aos Estados Unidos ilegais para buscar seu sonho americano. Mas não o faz de maneira clássica ou demonstrando o problema migratório pelo lado patético. É todo o contrário: mostra o latino empreendedor, trabalhador e honrado que veio por uma só razão. Amor.

O que chamou sua atenção na história contada por Jorge Franco em seu livro Paraíso Travel?
Eu gosto muito da maneira como escreve Jorge Franco. Além de ser um escritor extraordinário, é uma grande pessoa. Senti uma identificação grande com Marlon, seu personagem principal. A todo homem chega um momento na vida em que tem que tomar certas decisões que definem não somente sua personalidade, mas também o resto da sua vida. E também se trata de uma história baseada na Colômbia, mas não tem nada a ver com violência, drogas, guerrilha etc. É uma história de amor sob o contexto da imigração ilegal. Dois temas profundamente universais.

Como foi o processo de produção do filme?
Foi difícil, tive que apostar às cegas para primeiro poder obter credibilidade e financiamento para Paraíso. O desafio principal foi o casting: encontrar aos dois personagens principais foi uma enorme aventura. Fiz casting com mais de 400 atores para chegar ao final, e com sorte me deparei com Aldemar e Angélica. Na filmagem, as coisas também foram complicadas, quase todas as internas de Nova York foram gravadas na Colômbia, e eu me empenhei em manter tudo legítimo e autêntico, por isso a direção de arte foi feita com muito cuidado. A pós-produção sempre é um processo que eu adoro. Sobretudo, a parte da música. Foi muito divertido escolher as canções da trilha; trabalhar com Sigur Rós e com Ângelo Milli de novo foi uma honra. O mais difícil do processo é cortar as cenas em que se trabalha tão duro, para depois tirar da edição final.

Como você vê a situação do cinema colombiano hoje?
O cinema colombiano passa por um grande momento. Existem filmes que vão agradar e outros que não, mas o importante é que se produza e que a coisa se converta em negócio. E isso é o que vem demonstrando a bilheteria no país. Acredito que nesse momento existam mais de 60 projetos em diferentes etapas de produção, uma cifra impensável 10 anos atrás. É uma injeção à indústria do entretenimento, e companhias como RCN [um dos dois maiores canais televisivos da Colômbia] acreditaram nela, apoiando absolutamente a todos os projetos produzidos na Colômbia.

Quais são seus próximos projetos?
Neste momento, acabo de ter um filho, meu maior projeto. Me dedicarei a ele e à minha família e obviamente a ler muitas histórias para encontrar qual quero fazer. Se vou investir mais de um ano de trabalho a algum projeto, é necessário que tenham muito amor e paixão. De outra maneira, não vale a pena.

Você tem alguma mensagem aos diretores latino-americanos que estão começando?
Sim. Que não acreditem em ninguém, senão neles mesmos, em seu instinto. Que procurem controlar criativamente seu projeto em todos os aspectos e que aproveitem os milhares de recursos que existem hoje em dia para se poder fazer cinema independente.

Por Camila Moraes.

Saiba mais sobre Simon Brand clicando no link e veja o trailer de Paraíso Travel abaixo:

Coincidência ou não, a Alemanha é o tema central de dois festivais latinos importantes este ano e, além disso, acaba de declarar 2008 o ano do cinema colombiano em Bremen. Confira mais nas curtas abaixo.

:: Festival de Lima lança convocatória
Acontece em agosto (de 07 a 15.08) o mais importante festival peruano de cinema, o Festival de Lima, que este ano tem a Alemanha como país convidado. O evento está convocando realizadores para as mostras competitivas desta que é a 12ª edição. As categorias são ficção, obra prima e documentário. Os interessados, que têm até 02.05 para se inscrever, devem anotar os seguintes dados de contato:

Pontificia Universidad Católica del Perú - Centro Cultural
Festival de Lima – 12° Encuentro Latinoamericano de Cine
Av. Camino Real 1075 San Isidro, Lima 27, Peru 

:: Bremen, capital do cinema colombiano em 2008
A linda cidade do sul da Alemanha irá exibir ao longo deste ano uma série de títulos colombianos, com exibição gratuita. La sombra del caminante, do diretor Ciro Guerra, é o primeiro filme da lista, com projeção gratuita (assim como as demais seções). A iniciativa é da Embaixada Colombiana no país. Saiba mais aqui.

:: Festival de Bogotá recebe inscrições
Assim como Lima, outro evento latino-americano tem a Alemanha como país homenageado E também está recebendo inscrições de realizadores interessados em participar de sua mostra competitiva. O Festival de Bogotá, 25ª edição, acontece em outubro, de 01 a 09.10, com diversas categorias competitivas: internacional, Festival de video, documental, Muestra de cine digital, infantil e Premio Alexis. Saiba mais no site do evento. 

Começaram as filmagens de Budapeste, a terceira novela de Chico Buarque, levada ao cinema por Walter Carvalho – diretor de fotografia de Central do Brasil e realizador de Cazuza, o tempo não para –, com roteiro de Rita Buzzar. Os livros anteriores de Chico também viram filmes através das lentes de Ruy Guerra (Estorvo, de 2000) e Sandra Gardenberg (Benjamim, de 2001).

Budapeste, o livro, fala da construção da personalidade a partir das particularidades de um idioma através da história de um escrito que viaja à capital da Hungria, onde termina ficando depois de decidir abandonar sua família no Rio de Janeiro.

Com orçamento estimado em quatro milhões de dólares, o filme é uma co-produção entre a Nexus Cinema, do Brasil, a Eurofilme, da Hungria, e Stopline Films, de Portugal. Os atores Leonardo Medeiros (José Costa) e Giovanna Antonelli serão os protagonistas, ao lado dos portugueses Ivo Canelas e Nicola Breyner. As gravações acontecem entre o Rio de Janeiro e, claro, Budapeste.

Foto: capa da edição francesa de Budapeste.